J’entendais souvent, lors des ateliers que j’animais et que j’animerai peut-être un jour prochain : « j’ai un bon appareil, quelques objectifs, quelques accessoires, bref du bon matériel. Et malgré cela, mes photos sont peu créatives, n’ont pas le petit plus…Rien à faire, aucune ne sort du lot ou si peu souvent. Je n’arrive pas à avoir l’effet Whaouuuh ». Alors avant de réinvestir, réfléchissons à quelque chose qui ne s’achète pas mais qui s’apprend. En effet, pour aller plus loin que la photo instantanée, il est important de connaître les règles de composition, les comprendre, les intégrer, pour ensuite les transcender!

Qu’est-ce-que composer une image?

Willy Ronis disait : « La belle image, c’est une géométrie modulée par le cœur »

Guillaume Apollinaire écrivait : « La géométrie est aux arts plastiques ce que la grammaire est à l’art de l’écriture »

Je vous laisse 5 minutes pour méditer cela et ensuite je vous propose de rentrer dans les détails de l’art de la composition!

La composition est l’art d’arranger les différents éléments de façon plaisante et agréable à regarder. La réussite d’une image tient donc de la répartition harmonieuse de ces différents éléments. La composition permet de s’assurer que le spectateur regardera votre image et en comprendra le sens.

Mais avant de composer une image, n’oubliez pas de définir votre sujet et de penser à deux caractéristiques essentielles : la tension, c’est-à-dire les interactions entre les éléments de l’image et l’équilibre qui permet d’éviter au regard de chercher les éléments.

Pour rappel, comme nous écrivons en Europe, notre œil lit spontanément les images de gauche à droite et de haut en bas généralement. Mais il est possible de contraindre l’œil du spectateur à suivre un cheminement complètement différent. Cela est réalisé grâce à l’utilisation des lignes de force.

La ligne de force fait partie des éléments que nous allons aborder :

• Le cadrage
• Les règles de composition
• L’équilibre de la composition
• La symbolique des images

 

• Le cadrage : horizontal ou vertical

   

On se pose toujours la question du vertical (portrait) ou horizontal (paysage). A l’heure du numérique, si vous hésitez, prenez les deux et vous verrez en post-production celle que vous préférez. Cependant quelques points à noter, l’homme ets est  plus à l’aise avec le format paysage car il correspond à sa vision. Cependant c’est la forme du sujet qui influe souvent sur ce choix comme nous le verrons dans différents exemples ci-dessous. Sachez cependant que l’horizontal est synonyme de calme et de sérénité alors que le vertical symbolise plus l’énergie, la puissance. Et n’oublions pas le carré qui, avec ses proportions parfaites, sera le format idéal dans bien des situations.

Et vous que choisiriez-vous?

     

La composition verticale permet d’intégrer d’impressionnantes successions de linge. L’image est cependant moins assise quand elle est horizontale

Dans la composition horizontale, les lignes droites sont mieux maîtrisées, il y a plus de profondeur avec la fuyante de la ruelle à droite

     

Le portrait vertical s’impose au-delà de la lumière dans l’œil qui est un vrai plus.

Pour choisir, pensez simplement à quelle histoire vous souhaitez raconter!

 

• Et si on changeait de format : le cadrage carré

 

 

 

Le format carré était celui des boîtiers moyen-format argentiques.

Vous pouvez choisir le format carré dès la prise de vue et le réaliser en post production. Pour ce faire, pensez donc à cadrer suffisamment large pour pouvoir recadrer en carré par la suite.

 

 

 

 

• La règle des tiers

On se pose souvent la question du placement du sujet principal : au centre, à droite, à gauche, en bas, en haut?

Au centre, le sujet perd fréquemment de sa force mais nous reviendrons sur ce sujet.

A proximité des bords, cela donne une impression que le cadre vient frapper le sujet, que le sujet est pris au piège dans une voie sans issue.

En positionnant le sujet légèrement excentré, cela apporte une certaine dynamique. Pour être mis en valeur, le sujet doit être situé sur une ligne de force ou, mieux, au croisement de 2 lignes de force, ce qui représente le point de force. Cela correspond à la règle des tiers!

   

En utilisant le bord du cadre, en décalant votre sujet, vous pouvez laisser le champ libre à l’imagination de celui qui regarde. Un personnage qui ‘sort’ ou qui ‘entre’ dans l’image par un des bords va donner une toute autre dimension à votre composition.

La règle des tiers, oui mais…parfois le sujet appelle à être centré! (Bordel de bordel !!!!) Si votre sujet est très graphique, s’il comporte des lignes, une forme particulière, il est probable qu’en calculant bien le centrage et le point de vue, vous puissiez composer une photo bien plus forte que si vous ne centrez pas. Les vues en ville avec une perspective sont aussi propices à des photos centrées : les passages piétons, les poteaux et tous les sujets à motifs répétés.

 

• La règle d’or

La règle d’or a ses origines dans la géométrie de la Grèce antique. C’est une règle de la proportion parfaite : deux segments a et b sont de proportion parfaite si l’addition de leur longueur divisée par la longueur de a est égale à la valeur de leurs longueurs divisée entre elles…Génial, non?

(a+b)/a = a/b  et c’est de là que vient le fameux format 24 x 36 mm

 

• Autres règles de cadrage

 

• Sens du regard et du déplacement

Le sujet se déplaçant de gauche à droite doit se situer à gauche afin de laisser de l’espace dans le sens du regard.

Un personnage qui est tourné vers la droite a un avenir radieux.

Un personnage qui est tourné vers la gauche a un avenir incertain, ou vers le passé.

 

 

 

 

• Premier plan et profondeur de champ

Il est bon d’inclure des éléments au premier plan afin de renseigner sur les lieux et ainsi guider l’œil du spectateur vers le sujet.

Pour un monument, par exemple, pensez aux branches comme premier plan pour donner un cadre à son sujet principal.

 

 

 

   

Premier plan : les vignes                                                                Premier plan : les perles

Second plan : le village                                                                   Second plan : les mains

Troisième plan : les montagnes                                                    Troisième plan : le visage

 

• Equilibrer la composition

Il faut penser à équilibrer la composition, c’est-à-dire qu’il doit se dégager une sensation d’équilibre. Le centre d’intérêt doit être immédiatement repérable.

• Opposition de taille : grand-petit
• Opposition de forme : simple-complexe
• Opposition de valeur : sombre-clair
• Opposition d’éclairage : ombre-lumière
• Opposition de structure : détaillé-uniforme
• Montrer l’échelle : donne au spectateur une idée de la taille de ce que vous photographiez

     

 

• La symbolique des images

L’objectif est évidemment de donner un sens à l’image, de raconter une histoire. Avant l’écriture, l’homme s’est exprimé à l’aide de symboles et les symboles sont les expressions de nos sentiments : dialogue, amour, sexe, agressivité, entente, repos, maladie, mort…

• Les lignes

Les lignes horizontales sont synonymes de passivité et donnent une notion de calme, voire d’infini. Plusieurs lignes espacées de façon irrégulière donnent du rythme à l’image.

Les lignes verticales sont synonymes d’actif activité et donnent une notion de droiture physique ou morale, le sens de l’élévation ou de la chute. Plusieurs lignes verticales donnent la notion d’un rempart, une limite.

Les lignes perpendiculaires sont synonymes d’équilibre, de solidité,  de stabilité.

Les lignes diagonales sont synonymes de direction, de mouvement. Cela suggère le déséquilibre, matériel, physique ou moral. Plus on s’approche de la verticale, plus la ligne semble dynamique. Plus on s’approche de l’horizontale, plus la ligne ramollit l’image.

Une ligne brisée est synonyme de guerre, de violence alors que la courbe représente la douceur, l’élégance, la fluidité, la sensualité. La courbe fait changer le regard de direction, donne une impulsion, relance l’attention.

   

 

• Les formes

Composer un cadre, c’est aussi tenir compte des formes géométriques dominantes :

Le carré est le symbole de la force statique, d’une situation sûre.

Le rectangle vertical est le symbole de la croissance, sans notion de mouvement, érection physique et spirituelle, alors que le rectangle horizontal symbolise la stabilité, le calme, le repos.

Le polygone régulier symbolise le rayonnement alors qu’irrégulier, il signifie l’instabilité.

Le cercle est symbole de plénitude, de la femme, la fécondité et la sensualité.

L’étoile est le symbole de la radiance et de la dispersion, force et dynamisme, propagande.

     

 

 

 

Les triangles ont également une symbolique :

– aigus, ils expriment la vitesse, l’élévation et la dynamique

-isocèles, ils expriment déité, pérennité, connaissance et sagesse

-rectangle  les trois sommets sont en interconnexion

 

 

 

 

C’est en cherchant toutes les formes géométriques que vous allez pouvoir faire des photos différentes, décalées : hublot, panneau de circulation, bouche d’égout, cage d’escalier… Trouvez alors un angle qui vous permettra de donner un rendu très créatif.

 

• Autres possibilités de composition

• Cadrez serré – Remplir le cadre
• Changez de point de vue
• Jouez avec les reflets
• Osez le contre-jour
• Montrez-en moins
• Inclinez

     

 

Pour conclure, attention cependant au fouillis dans l’image. Le spectateur qui n’a pas vécu la scène risque de se perdre. Allégez vos compositions et vous gagnerez en précision. « A vouloir trop montrer on ne montre rien. A montrer moins on montre mieux. » dit Anne-Laure Jacquart dans Composez, réglez, déclenchez. Et rappelez vous, les règles de composition sont une aide. Vous pouvez très bien ne pas en tenir compte, voire les prendre à contre-pied!!! A vous de jouer!

Note : Certaines illustrations sont issues de magazines à l’époque où ils étaient encore nombreux dans les kiosques. Merci de votre indulgence pour la qualité du rendu, une fois scanné.